sábado, 28 de mayo de 2016

León: 50 años del incendio de la Catedral


Mañana, domingo 29 de mayo de 2016, se cumplen 50 años del incendio que asoló la techumbre de la Catedral de León. Tal fue la virulencia del fuego, que muchos pensamos que aquel suceso podría ser el final de la fábrica medieval.

Como en este año, aquel 29 de mayo fue domingo y las presagios más pesimistas circularon rápidamente por la ciudad, tal fue la espectacularidad del incendio, como se puede comprobar en algunas fotografías. Todo hacía pensar en un final trágico.

Han sido innumerables los problemas estructurales que a lo largo de los siglos ha sufrido la catedral, pero no son menos los que han surgido durante estos últimos 50 años y los que actualmente permanecen vigentes. Pero, como en aquel momento clave del año 1966, el edificio la Catedral de Santa María sigue en pie y, desde su pequeña atalaya, continua contemplando y gobernando el día a día de los leoneses y dejándose admirar permanentemente por los miles turistas que llegan a su plaza.


Hace unos pocos años, con motivo de un pequeño incendio, recordamos aquel acontecimiento del 29 de mayo 1966 mediante un entrada: http://www.fonsado.com/2008/01/hace-unas-semanas-y-en-plena-noche.html. Hoy después de 50 años del suceso merece la pena revivirlo.

Hace unas semanas y en plena noche, sonaron las alarmas. Una fuerte humareda surgía de la fachada meridional de la Catedral y a los pocos minutos, ambulancias, vehículos policiales y de bomberos llenaron la Plaza de Regla.


Uno de los equipos de bomberos accedió al triforio exterior sur, bajo el rosetón, logrando de inmediato sofocar el conato de incendio que, al parecer, tuvo su origen en el calor generado por uno de los focos en contacto con un elemento combustible, aun sin identificar, posiblemente olvidado por los obreros que ensamblaron la estructura metálica utilizada para los actuales trabajos de restauración.

Este pequeño incidente, nos hizo revivir el tremendo incendio  del año 1966 en el que el fuego arrasó por completo la cubierta de la Catedral. La magnitud del suceso fue de tal envergadura e impacto social, que todos los leoneses que lo vivieron no pudieron entender como fue posible que el edificio se salvara de un inevitable y casi presagiado derrumbe, a la vista de la intensidad y virulencia de las llamas.

Esa respuesta la tuve de primera mano hace un par de años, curiosamente a raíz de la última y polémica restauración de San Miguel de Escalada, donde conocí a Santiago Seoane Abuín, escultor, restaurador e hijo del también restaurador y gran maestro de la talla, Andrés Seoane Otero. Santiago Seoane, entre otras cuestiones, me contó la extraordinaria trayectoria profesional de su padre y su indiscutible protagonismo en aquel tremendo e inesperado incendio.

El buen hacer de Andrés Seoane, todavía se puede apreciar en una serie de obras realizadas en la ciudad, entre otras, la réplica en piedra de San Jorge sobre la puerta principal de la Casa de Botines, que realizó en 1953 ante el deterioro del original; pero sobre todas, destaca la copia de la Virgen Blanca para su ubicación en el parteluz de la Catedral y que aun hoy permanece espléndida presidiendo todo el conjunto escultórico de la portada occidental, mientras el original se trasladó al interior para su preservación.

Estos y otros extraordinarios trabajos, suponen que D. Luis Menéndez Pidal, por aquellos años responsable del Patrimonio Artístico Nacional, proponga a Andrés Seoane como encargado general de las obras de la primera zona del Servicio de Defensa del Patrimonio Artístico Nacional que comprendía las provincias de Asturias, León y Zamora.

Como he comentado, Santiago, su hijo, que por aquel entonces aprendía y colaboraba con él, me detalló la fundamental e inapreciable actuación de su padre en aquella trágica tarde-noche del 29 de mayo del año 1966 en nuestra ciudad.

Aquella tarde de primavera, se produjo una fuerte tormenta en la ciudad con abundante aparato eléctrico. Casualmente, uno de aquellos rayos, con una potencia extraordinaria, cayó sobre uno de los pararrayos de la Catedral. En una situación normal, este tipo de descargas eléctricas eran conducidas de los pararrayos mediante tirantes de metal a unos fosos en la Carretera de los Cubos; pero una de las descargas fue tan enorme y de tanta intensidad que no pudo ser absorbida, produciéndose un retroceso de la carga eléctrica que puso incandescente el hierro conductor por el que circulaba, rebotando y llegando hasta la cubierta de la fábrica realizada en madera de pinotea en el s. XIX. Esta madera, en contacto con el hierro incandescente, comenzó a arder muy rápidamente y con gran intensidad.


La actuación de los bomberos de León fue inmediata pero, ante la espectacularidad y magnitud del incendio, se decidió también avisar a los cuerpos de bomberos de Oviedo, Gijón y Zamora. Como encargado del Patrimonio y ante la petición expresa del Gobernador Civil de la ciudad, Andrés Seone se hizo cargo del siniestro y desde un primer momento coordinó los trabajos de extinción.

La primera orden que imparte es la retirada de los bomberos, dejando que el incendio, aunque controlado, se extinguiera de forma natural. Esta decisión, asombrosa en un principio, hizo que se salvara la Catedral de un derrumbe inminente.

Aquella sorprendente y valiente disposición tenía una explicación muy sencilla y Andrés Seoane, como buen profesional y experto en la fábrica del templo, la conocía. Debajo de la enorme techumbre de la Catedral construida con teja y madera, se encontraban las bóvedas de la fábrica (ver fotografías), realizadas y conformadas en piedra tova, material de origen volcánico, muy ligera y porosa, que se utiliza precisamente por su ligereza. Esta piedra, al recibir cantidades ingentes de agua, aumenta espectacularmente de peso, lo que hubiese originado toneladas y toneladas de sobrepeso en las bóvedas y su desplome inevitable.

La polémica decisión de Andrés Seoane Otero de retirar los bomberos en pleno incendio, salvó la Catedral de Santa María de un indudable derrumbe y, gracias a ello, todavía podemos seguir disfrutándola. Por este hecho, y aunque pocos leoneses lo conocen, Andrés Seoane fue reconocido a nivel nacional con la Encomienda de Alfonso X el Sabio.

Fotografías: Santiago Seoane / El Mundo. es





domingo, 24 de abril de 2016

León en la “Habitación Azul”

Lectura de Moliere
A comienzos del s. XVII, la aristócrata de origen italiano Catherine de Vivonne, marquesa de Rambouillet, se había hecho construir en el centro de París, muy cerca del Louvre, un bello palacete del que fue prácticamente diseñadora y cuya construcción influirá poderosamente en edificaciones posteriores. De inspiración italiana y de aspecto armonioso y claro, el edificio fusionaba prácticas nuevas como era el confort con la intimidad. En el exterior la marquesa plantó árboles (sicomoros) y césped, siendo la única mansión parisina que lo disfrutaba por aquel entonces.

Mme de RambouilletLos contemporáneos subrayaban el efecto fantástico del palacio y su atmósfera mágica: “Madame Rambouillet ha descubierto el arte de hacer surgir en un terreno de dimensiones modestas un amplio palacio. El orden, la armonía y la limpieza distinguen tanto los ambientes como la decoración. En su casa todo es magnífico, todo es especial: las lámparas no son como las que se ven en otros sitios, las habitaciones están llenas de mil rarezas que confirman los conocimientos de aquella que las ha elegido. El aire está siempre perfumado; muchos cestos magníficos, llenos de flores, crean en su casa una primavera eterna; y el lugar en la que se la suele encontrar es tan agradable, tan bien ideado, que cuando uno está a su lado tiene la impresión de hallarse bajo el efecto de un hechizo”.

Ese “hechizo” del que se habla y que envolvía la residencia de la marquesa de Rambouillet, se matizaba, sobre todo, en una de las estancias del palacete. Ese cuarto era conocido como la Habitación Azul (Chambre Bleu).

La magia de la estancia, en parte, era cromática. Se abandonan los tradicionales rojo y siena, propio en las residencias de cortesanos y poderosos, y se comienza a coordinar los colores de paredes, telas y tapicerías, iluminando el interior con grandes ventanales que van desde el suelo al techo, que dejan ver el jardín de sicomoros ideado por la marquesa. Abraham_Bosse_Salon_de_damesMadame Rambuillet trasladó su dormitorio privado a una pequeña estancia, convirtiendo el gran dormitorio en el lugar de recepción, pintando de azul las paredes, tapizando del mismo color sillas y sillones y utilizando satén azul para cortinas y el gran dosel de la cama: la Habitación Azul

Mujer enfermiza, casi siempre encinta (tuvo siete hijos), recibía acostada, tumbada sobre un majestuoso lecho repleto de lacerías, almohadones y cojines, bajo un grandioso baldaquino.

El espacio entre la cama y la pared fue denominado ruelle (callejuela), allí se colocaron los sillones en los que los ilustres visitantes “conversaban” con la anfitriona. Durante más de treinta años madame Rambouillet recibió a nobles, artistas, literatos, clérigos y políticos, junto a las mujeres más cultas y refinadas de Francia, siempre en plan de igualdad, aunque posteriormente fueran conocidas conocidas como medias azules (bas-bleues), sinónimo de mujer intelectual. En aquel círculo o salón literario se conversaba sobre política, filosofía, economía, literatura … prohibiéndose los temas que pudieran resultar ofensivos y obviándose las frivolidades, los cotilleos o los ecos de escándalos. Se perfeccionaba el arte de la conversación, dando lugar a lo que se conocerá como cultura de la conversación.

diana_1Jean Regnand de Segrais, cuenta que la marquesa de Rambouillet, en contra de la estética culta de la época en Francia que denostaba la novela, se “formó con las obras literarias italianas y españolas”, pero sobre todo con la novela caballeresca y pastoril española del s. XVI, admirando y tomando como modelos los ideales caballerescos y, principalmente, el amor idealizado de Los Siete Libros de Diana de Jorge de Montemayor, novela pastoril de la que se hacía continua lectura en su Habitación Azul.

La escritora y estudiosa de la literatura francesa, Benedetta Craveri, en su libro La Cultura de la Conversación, considera que la marquesa de Ramboulliet, una revolucionaria cultural en su momento, buscaba un espacio alejado de la corte, el lugar ideal, idílico (locus amoenus), donde se produjera un encuentro libre entre gustos afines: “… un lugar donde el amor pudiese vivir de espera y no de satisfacción, y la mujer supiese inspirar admiración y respeto…”. De esta manera, madame Rambouillet trató de introducir en sus recepciones de la Habitación Azul aquellas ficciones arcaicas que exhalaban la inocencia, la gracia y la amabilidad de la vida pastoril, y una de estas novelas preferidas fue La Diana de Montemayor.

Francois Boucher

Esta novela, aparecida a mediados del s. XVI, inaugura en España el género pastoril, aunque este género tiene sus raíces en la antigua tradición literaria grecorromana. Los pastores protagonistas de estas obras no se parecen a los pastores reales. Éstos, siempre se encuentran entre paisajes idílicos, con cielos luminosos, bajo la sombra de frondosos árboles y a la orilla de bellos cursos de agua. Son filósofos, músicos o poetas y el sentido único de su existencia es el amor, pero siguiendo las doctrinas del neoplatonismo: lo trascendente no es conquistar a la amada, sino simplemente amarla, aunque ello suponga cierta amargura y desconsuelo.

Como hemos señalado, a mediados del siglo XVI apareció publicada en España Los Siete Libros de Diana, que, con nuevos plaFrancosi Boucher 2nteamientos, rompía con la tradición de los celebrados libros de caballerías. La novela fue todo un éxito con varias ediciones y traducciones a otros idiomas, incluido el francés, que, como hemos visto y casi un siglo más tarde de su edición, estaba muy presente en las recepciones y lecturas que la marquesa de Rambuillet realizaba en su legendaria Habitación Azul.

¿Cómo llegan el Reino de León, la ciudad de León y sus paisajes a conocimiento y distracción de eruditos, aristócratas y cortesanos franceses de la primera mitad del XVII, como llegan a la Habitación Azul? Jorge de Montemayor, el autor de Los Siete Libros de Diana, sitúa a los personajes de su obra en los prados leoneses de las riberas del Esla y en las montañas de León, cercanas a la “principal y antigua ciudad de León”.

Sobre el autor se conocen escasos datos. De posible origen converso, debió de nacer alrededor de 1520 en Portugal, cerca de Coimbra. De joven practicó la música y el canto, sin embargo, sus habilidades e inquietudes artísticas le llevaron a la novela y la poesía, pero no dejó aparte la vida militar y la aventura. Debió llegar a la corte española con el séquito de María Manuela de Portugal, esposa que 322967será de Felipe II y madre del malogrado príncipe Carlos. Esos primeros años en la corte española le llevaron por Salamanca y Valladolid, pero todo hace pensar que debió conocer muy bien la zona oriental de León, regada por el Cea y Esla, donde las montañas norteñas y el agua que vierte desde ellas, producen pastos y campiñas propias para el ganado, así como idílicos paisajes que propician que el escritor fije allí a los principales personajes pastoriles de su novela. Sin embargo, todo hace pensar, que hubo otros motivos más poderosos, como veremos.

Son varios los personajes que intervienen en la novela, la mayoría naturales de tierras leonesas: Sireno, Delio, Alanio, Selvagia, Ismenia, … y la protagonista que da nombre a la obra, Diana. Cobra protagonismo también un templo pagano, el Templo de Diana, donde existen tres ninfas encargadas de su custodia. Casualidad o no, en el campamento de la Legio VII Gemina que dio origen a la ciudad de León, existió un importante templo extramuros del recinto campamental dedicado a la diosa Diana, en el que el legado de la legión entre los años 162-166 dC, Quinto Tulio Máximo, gran amante de la caza, depositaba sus trofeos. El legado dejó admirable constancia de las ofrendas en los versos que va realizando en una exquisita ara votiva consagrada por el propio militar. Como sabemos Diana es la diosa virgen de la caza, protectora de la naturaleza y reina de los bosques, Júpiter la armó con un arco y flechas y le otorgó como acompañantes un grupo de hermosas ninfas.

Diana y sus ninfas

El nombre de Diana no es ajeno en la tradición leonesa, como tampoco la presencia de ninfas en la ciudad y alrededores, existiendo, asimismo, varias aras votivas dedicadas por militares de la Legio VII a las ninfas del lugar, que demuestra la abundancia de agua en la zona y el agradecimiento que se profesaba a las ninfas protectoras.

La novela de Montemayor mezcla la prosa y el verso y se imprime por vez primera en 1545. Según se desprende del argumento, en la obra se narran casos reales pero convenientemente encubiertos tras nombres supuestos. En 1603 fue traducida al francés y publicada en París por Pavillon, apuntando algunas notas muy interesantes acerca de la trastienda de la novela. Según estos apuntes, en España existía la creencia de que el autor tuvo intención de escribir los amoríos del Duque de Alba, a quien había servido militarmente en Flandes durante algunos años, y a quién encubriría bajo personaje del pastor llamado Sireno.

No obstante, era creencia en la época que fue el propio Jorge de Montemayor quien narró en la novela sus amores, bajo el nombre de Silvano, por una mujer conocida por su gran belleza llamada Diana, natural y vecina de Valencia de Don Juan, a los pies del Esla, Allí mismo donde se inicia la trama. El propio Lope de Vega en su Dorotea hace decir a su protagonista en el Acto 2º, escena 2ª: “¿Qué mayor riqueza para una mujer que verse eternizada? Porque la hermosura se acaba, y nadie que la mira sin ella que cree que la tuvo; y los versos de su alabanza son eternos testigos que viven con su nombre. La Diana de Montemayor fue una dama natural de Valencia de Don Juan, junto a León. Y Esla, su rio, y ella serán eternos por su pluma”.

Felipe IIIUn monje del Monasterio del Escorial contemporáneo a los hechos, el Padre Sepúlveda, el tuerto, narra en su Historia de varios sucesos desde el año 1584 a 1603, como los reyes Felipe III y su esposa Margarita estuvieron en 1602 en Valencia de Don Juan, donde aún vivía aquella dama que, aunque ya anciana, guardaba restos aun de su hermosura. Los reyes fueron a verla, movidos porMargarita-de-Austria-Reina-de-Espana_1584-1611e la celebridad de la dama que el libro de Jorge de Montemayor le había granjeado.

En cambio el poeta y escritor portugués Manuel Faria de Sousa, también contemporáneo de los hechos, señala que la dama en cuestión no residía en Valencia de Don Juan sino en el pueblo cercano de Valderas, y que los reyes, Felipe III y Margarita, la hicieron venir desde aquella localidad a su presencia. 

Ni el monje Sepúlveda ni Lope de Vega habían expresado su claramente su nombre, sin embargo, Sousa la llamó Ana (semejante a Diana), por ser corriente disfrazar los nombres de las amadas en las obras literarias de la época. El escritor portugués se inclinó, sin mucho fundamento, a que la dama a la que se refería Montemayor era Juana Ana Catalana, que aparece en el Canto de Orfeo de Libro IV de la obra:

Aquella hermosura no pensada
que veis, si verla cabe en vuestro vaso;
aquella cuya suerte fue extremada,
pues no teme fortuna, tiempo y caso;
aquella discreción tan levantada,
aquella que es mi musa y mi parnaso;
Juana Ana Catalana, fin y cabo
de lo que en todas por extremo alabo.

A pesar de este apunte de Faria de Sousa, creemos más convincente lo que relata el Padre Sepúlveda refiriéndose al suceso ocurrido en 1602 en tierras leonesas: “Esta dama vivía aun en el Reino de León a principios del s. XVII, porque no fue fingida como otras, que celebraban los poetas. Cuando los Reyes Don Felipe III, y Doña Margarita volvían de Portugal, hicieron mansión en Valencia de Don Juan, y dicen le cupo por posada al marqués de las Navas y por huésped aquella famosa mujer, Diana, aquella que tanto alaba Jorge de Montemayor en su historia y versos, que, aunque vieja, todavía vive, y dicen se echa de ver que en su tiempo fue muy hermosa, que es la más hacendada y rica de su pueblo. Pues por ser tan famosa mujer, y haberla alabado tanto en su obra Jorge de Montemayor, la fueron los Reyes a ver y toda su corte a su casa, como cosa maravillosa, siendo mujer muy entendida y muy bien hablada”.

Valencia de Don juan
Sobre la cuestión del nacimiento de Diana si en Valderas o Valencia de Don Juan, el Padre Albano García Abad, escritor de temas leoneses, hace ya algunos años y en un artículo titulado “Sobre la patria de La Diana”, deja claro que aquella bellísima mujer de la que se “enamoró” Jorge de Montemayor y que dejó inmortalizada para siempre en su obra, claramente era oriunda de Valencia de Don Juan.

Jorge de Montemayor no llegó a conocer el éxito y trascendencia de su novela, ya que su vida errante y aventurera finalizó en el Piamonte, al parecer en un duelo, en 1561. La repercusión de la obra de Montemayor no solo la llevó a la famosa Habitación Azul para ser admirada por la intelectualidad francesa, sino a ser citada en la novela de las novelas: El Ingenioso Hidalgo Don Quijote de la Mancha. En estos días que universalmente se conmemora la obra de Miguel de Cervantes en el 400 aniversario de su muerte, La Diana, de alguna manera, también está presente:

“…y sin querer cansarse mas en leer libros de caballerías, mando al Ama, que tomase todos los grandes, y diese con ellos en el corral … Así será, respondió el Barbero, pero ¿Qué haremos destos pequeños libros que quedan? Estos, dixo el Cura, no deben ser de caballerías sino de poesía: y abriendo uno vió, que era la Diana de Jorge de Montemayor. Y dixo: (creyendo que todos los demás era del mesmo género) estos no merecen ser quemados como los demás, porque no hacen ni harán el daño que los de caballerías han hecho, que son libros de entendimiento, sin perjuicio de tercero.” (Part.1,Cap.VI)

QUEMA DE LIBROS POR EL CURA, EL BARBERO Y EL AMA, JOSÉ SEGRE

- Lectura de Moliere. Jean Francoise de Troy.
Catherine de Vivonne, marquesa de Rambouillet. Anónimo.
- Salón de damas. Abraham Bosse.
- Los Siete Libros de Diana, Jorge de Montemayor.
- 3 Pastoradas. Francois Boucher.
- Diana y las ninfas. Vermeer de Delft.
- Felipe III. Frans Pourbus el joven.
- Margarina de Austria. Anóonimo.
- Grabado. Castillo de Valencia de Don Juan.
- Que de libros por el Cura, la Ama y el Barbero. José Segre.





sábado, 16 de abril de 2016

LEÓN: el interior de sus iglesias

Parcerisa

Hace algún tiempo publicamos una entrada sobre el “interior de las iglesias” (http://www.fonsado.com/2011/01/el-interior-de-las-iglesias.html), tomando como inicio los grabados que realizó Francisco Javier de Parcerisa del interior de nuestra catedral a mediados del s. XIX. En uno de ellos se aprecia la nave central en dirección oeste, hacia el coro, con el bello rosetón occidental al fondo y la mágica desintegración de la luz del mediodía al atravesar sus vitrales. Dos de las figuras principales que aparecen en el grabado, una mujer y un joven arrodillado, dirigen sus oraciones, curiosamente, de espaldas al altar mayor.

No vamos a entrar en la “desorientación” de estos fieles, pero si en algunos curiosos comportamientos, prácticas y usos de los feligreses durante los oficios religiosos de antaño pero, sobre todo, en la patente ausencia de mobiliario y desnudez de las naves de los templos a lo largo del tiempo.

Interior de catedral

En la actualidad nos resulta sorprendente imaginar el interior de catedrales, basílicas, iglesias o ermitas sin ningún tipo de mobiliario. En los primeros siglos los devotos ni siquiera se sentaban durante la predicación y cuando lo hacían, siempre por indicación del sacerdote o ministro, se sentaban en el suelo. En esta tesitura era posible y frecuente el movimiento o “traslado” de los fieles durante la celebración, asunto impensable hoy en día donde el sacerdote se ha convertido en el único actor de la “representación”, mientras los asistentes se sitúan estáticos en el puesto elegido y siempre con la vista fija en el celebrante.

A partir de los siglos XIV-XV se introduce en escasos templos algún reclinatorio casi siempre destinado a personajes destacados. Esta costumbre se impondrá más adelante en los templos protestanteLa confesión. Pietro Longhi.s con el fin de que los fieles pudieran sentarse durante los sermones que, a veces, duraban horas. La práctica irá adueñándose muy lentamente de las iglesias católicas, sobre todo después de la Contrarreforma (siglos XVI-XVII), que dará gran importancia a la “proclamación de la Palabra”.

A partir del XVII-XVIII comienzan a imponerse lentamente los grandes bancos con reclinatorio y respaldo alto, aunque en España, todavía en el siglo XIX e incluso a comienzos del XX, la mayoría de las iglesias permanecerán sin ningún tipo de amueblamiento, salvo algún que otro sencillo confesionario, los rocambolescos púlpitos o los impresionantes retablos, que se sitúan principalmente en el altar mayor, para después ocupar laCapilla de San Isidro en la iglesia de San Andrés de Madrid. Perez Villamils capillas laterales y, más adelante, cualquier punto en los lienzos laterales de las naves.

Como vimos en la anterior entrada, los pintores románticos españoles del XIX plasmaron magníficamente el interior de iglesias y catedrales, pero también rincones e íntimas ceremonias en pequeños templos. Unas y otras estampas delatan el ambiente y las costumbres de la feligresía española: entierros, oración, sermón, misa, etc. No hay como “acercarse” al cuadro y observar minuciosamente las escenas para desentrañar la actitud y el hacer de los fieles.

En alguna de estas representaciones también se pueden distinguir las distintas clases sociales, la vestimenta, el fervor religioso, la presencia de inválidos, de vendedoras, de amas de casa que acuden con su cesta o amamantan niños, … y hasta la tranquila presencia de algún que otro perro en aquellas inmensas naves que, vagabundeando o al lado de su dueño (Iglesia de San Isidro de Madrid de Pérez Villamil), asiste también a misa.

Interior de San isidro (incendio 1936) litografía Pérez Villamil siglo XIX[4]

Existe un curioso testimonio de las costumbres y comportamiento de la clase alta en las iglesias, realizado por la condesa de D´Aulnoy en su obra “Un viaje por España en 1679”. La escritora francesa relata la conducta de hombres y mujeres de la clase alta madrileña en el interior de los templos:

condesa
"Las mujeres que frecuentan las iglesias acostumbran oír dos, tres y hasta una docena de misas; pero tan distraídamente que muestran bien a las claras estar pensando en otra cosa. Llevan manguitos de a media vara, hechos con la mejor marta cebellina, que no habrán costado menos de cuatrocientos o quinientos escudos; y los han de subir para sacar las puntas de los dedos. Usan también abanicos, tanto en verano como en invierno, y ni aun durante el santo sacrificio cesan de darse aire con ellos. Se sientan sobre las piernas y toman incesantemente rapé, pero sin mancharse, porque en esto, como en lo demás, son sus maneras correctas y pulcras. Durante la elevación de la sagrada forma, hombres y mujeres se golpean el pecho hasta una veintena de veces, con tanto estrépito que parece armada una riña. Los galanes se apresuran a rodear la pila de agua bendita apenas termina el oficio, para ofrecerla a las damas de su agrado, con algún piropo suplementario, al que saben ellas corresponder sobria y discretamente. El nuncio del Papa acaba de prohibir esa costumbre, conminando a los infractores con pena de excomunión.".

Condesa

Como vemos la ausencia de mobiliario es patente. Damas y caballeros emplean las iglesias para, de alguna manera, relacionarse socialmente gracias a la inexistencia de mobiliario que no “obliga” a situarse en un mismo lugar durante el tiempo del oficio. Esta “libertad” hará muy factible la movilidad por la nave así como facilitará las relaciones entre los asistentes, al no estar obligados a permanecer estáticos ocupando un lugar determinado en un reclinatorio o en un banco.

Joaquín Manuel Fernández Cruzado, titulado Misa solemne en una iglesia andaluza

En la anterior entrada, como ya comentamos, se mostraban ejemplos de interiores de templos, pintados magníficamente por artistas españoles del XVIII-XIX. Hoy queremos mostrar estampas cercanas, fotografías de los templos leoneses que, aunque muy escasas, reflejan fielmente el interior de nuestras iglesias y el comportamiento y aptitud de los leoneses en los oficios litúrgicos a finales del XIX y comienzos del siglo XX.

Comenzamos con nuestra catedral, la catedral de Santa María de Regla, de la que, como vimos, existe algún que otro grabado de su interior y alguna fotografía de finales del XIX y comienzos del XX.

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De los primeros años del XX es esta fotografía del interior de la catedral. Se aprecian unas hileras de simples bancos corridos y enfrentados en perpendicular al altar mayor, situados entre éste y el crucero.





Catedral






Fotografía de la misma época, con escasas y sencillas bancadas a disposición de los fieles, situadas entre el crucero y el altar mayor.



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 Curiosa fotografía del interior de la catedral. Los fieles se congregan arrodillados ante el trascoro donde no existe ningún tipo de mobiliario. Es un día de Semana Santa de principios del XX. En los laterales se han colocado grandes cortinajes, lo mismo que en el arco de medio punto en la parte central del trascoro. Un sacerdote celebra la Eucaristía en el centro de la puerta. En el arco, sobre el altar, una representación pintada de la Sagrada Cena.


  
Trascoro de catedral de León. Perez Villamil 





    
Pérez Villamil realizó este hermoso grabado del trascoro de nuestra catedral, nada menos que en la primera mitad del siglo XIX. Varios lugareños, con ausencia total de mobiliario, unos de pie otros arrodillados, siguen un oficio religioso o simplemente rezan. Pero también es lugar para charlar, como los dos varones que figuran en primer plano.







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Estas dos fotografías están realizadas por Winocio Testera alrededor de 1900. Corresponden al interior de la Basílica de San Isidoro y, como puede observarse, aún en esos año s no existía ningún tipo de mobiliario, salvo la doble puerta de entrada y un confesionario en la nave del Evangelio. 

San isidoro Winocio testera

CZwDN1XXEAAB_clSan Isidoro unos años después aparece con varios bancos y reclinatorios. Poco a poco el interior de las iglesias se va llenado con mobiliario irregular y de colocación aleatoria: bancos sencillos sin respaldo, otros con respaldo y reclinatorio, o reclinatorios individuales. Estas sillas-reclinatorios, la más popular es la fabricada con enea, se utilizaban tanto para sentarse como para arrodillarse.

San Miguel,





Una imagen del interior de San Miguel de Escalada, la joya mozárabe del siglo X, fechada en los primeros años del siglo XX y en la que se aprecia la carencia por completo de mobiliario.








San Miguel Escalada




Más antigua es esta fotografía de San Miguel tomada por J. Laurent a finales del XIX. El único mobiliario existente es un pequeño púlpito en la nave del Evangelio. Destacar los cortinajes existentes en el iconostasis.

  
Arbas del puerto Winocio Testera





Santa María de Arbás a primeros de siglos XX. A excepción de un candelero y el púlpito de metal, ningún mobiliario.
   
Gradefes Winocio Testera













Monasterio de Gradefes. Únicamente retablos, candeleros y un par de pequeños bancos.








   



Iglesia San Martín

La última fotografía corresponde a la iglesia leonesa de San Martín. Posiblemente sea una toma realizada algunos años antes de 1900. La imagen es contundente. Mientras el cura hace su prédica subido al tradicional púlpito, los fieles, reflejo de una sociedad leonesa aldeana y agraria, escuchan atentamente las palabras del clérigo.

El templo carece de mobiliario. En primer plano, únicamente se aprecia una pequeña y sencilla silla de enea al lado de una mujer que, parece, estar sentada sobre otra igual. La mayoría de las mujeres se sientan en el suelo sobre las piernas y su aparatosa y humilde vestimenta.

- Catedral de León. Parcerisa.
- Interior de catedral. Pérez Villamil.
- La confesión. Pietro Longhi.
- Capilla de San Isidro en la iglesia de San Andrés de Madrid. Pérez Villamil.
- Idem. Pérez Villamil.
- Condesa de D´Aulnoy .
“Un viaje por España en 1679”. Condesa de D´Aulnoy.
- Misa solemne en una iglesia andaluza. Joaquín Fernández Cruzado.
- Iglesias de León y provincia.



viernes, 25 de marzo de 2016

Crucifixión



En el siglo IX, Ramiro I restauró y amplió una capilla a extramuros de la ciudad bajo la advocación de San Marcelo, centurión romano que en el año 298 dC. y durante la celebración del aniversario del Emperador Maximiano, se negó a realizar sacrificios a los dioses e hizo pública su fe cristiana, proclamando que solo adoraría al verdadero Dios. La iglesia se eleva en el mismo lugar en el que, según la tradición, Marcelo realizó su declaración o “confessio”. A pesar de la destrucción de la ciudad a finales del siglo X por las tropas de Almanzor y los múltiples avatares del templo a lo largo de los siglos, aún se puede contemplar en su emplazamiento originario, en el mismo centro de León.

La iglesia de San Marcelo sigue siendo un referente en la ciudad, pero no sobresale por su calidad constructiva ni estética ni tampoco por sus tesoros artísticos, pero posee una historia que, como hemos visto, alcanza desde finales del Imperio Romano a la actualidad. No obstante, cuenta una obra excepcional y muy apreciada por los fieles leoneses: el Cristo de la Agonía, más conocido por el Cristo de los Balderas.

A comienzos del siglo XVII, la familia Balderas, Antonio de Balderas y su esposa María Flórez, encargaron y costearon un Crucificado para instalar en la pequeña capilla situada en el lado de la Epístola. El artista elegido fue el conocido Gregorio Fernández y las condiciones para el trabajo escuetas: “Una obra bien acabada, con mucho arte, con dientes de marfil y uñas postizas en los pies”.

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El escultor gallego realizó una obra extraordinaria. Posiblemente sea el mejor crucificado de este artista y el que cuenta con un mejor acabado: majestuoso, con una apariencia sobria y serena, un tratamiento anatómico refinado y contenido en el gesto; sosegada expresión en el rostro, con la vista caída, la frente limpia de arrugas y la boca con un realismo asombroso. El Cristo de la Agonía o de los Balderas, posee una serenidad y belleza plástica admirable, entre las imágenes que ofrecen los crucificados.
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Hace unos años, la cadena BBC logró irritar a los cristianos ingleses más tradicionalistas, al alterar la representación clásica de la crucifixión de Cristo en una serie televisiva. En esta serie (“La Pasión”), se ofrecía la imagen de Jesucristo crucificado con los brazos en alto y clavados en la cruz por el antebrazo (no las manos o las muñecas). Las piernas muy flexionadas, con los pies clavados individualmente en una ménsula, que se sitúa mucho más alta de lo que es acostumbrado en las representaciones.

Ante las acusaciones de medios próximos a la ortodoxia cristiana de “reinventar” la narración bíblica tratando de engañar a los creyentes, los responsables de la serie alegaron que se tomó como referencia el descubrimiento en 1968 de los restos de un joven crucificado en las cercanías de Jerusalén. Es el único halnformacrux 4lazgo arqueológico de este tipo, y presenta la misma posición de crucifixión que se reproduce en la serie, fundamentado además, que los romanos crucificaban a los condenados de distintas formas y esta manera era una de las más extendidas y eficaces.

Según esto, y en contra de las múltiples representaciones pictóricas a través e los siglos, la cruz no sería muy alta, los pies del reo se encontrarían a tan solo a medio metro del suelo,  principalmente debido a que la cruz se colocaba en su posición vertical con el condenado ya inmovilizado sobre ella. Los verdugos que se encargaban de levantar la cruz lo harían por medio de cuerdas, con su propia fuerza, resultando muy complicado elevar una cruz de gran altura.

La crucifixión es una práctica de tortura y ejecución muy antigua. Fue utilizada por numerosas civilizaciones: asirios, fenicios, persas, griegos, macedonios, cartagineses, romanos y hasta los japoneCapturar-2ses de la era Mejii (segunda mitad del XIX). Por encima de todo, fue un castigo destinado a la humillación pública, exponiendo al reo a una dolorosísima tortura a la vista de todos.

Es probable que fueran los asirios los que iniciaron esta tortura y de allí pasó a los persas. En el s. IV aC., Alejandro Magno lo aplicó en su invasión hacia el este y se cree que ejecutó de esta manera a más de 2000 supervivientes de la ciudad fenicia de Tiro, es más, se asegura que mandó crucificar al médico que no logró curar a su amigo Hefestión, como también a su historiador y biógrafo oficial Calístenes, por no estar de acuerdo en que Alejandro adoptara costumbres persas.

Fenicios, griegos, macedonios y cartagineses, como ya hemos dicho, la aplicaron asiduamente, sin embargo, la crucifixión estaba prohibida en la ley antigua judía. PerNikolai Ge La Crucifixión 2o sin duda, fue Roma quien difundió por todo el Mediterráneo este tipo de tortura.

Conocemos importantes y cruentos episodios de Roma. Célebre fue la condena del cónsul Marco Licino Craso, cuando hizo crucificar a lo largo de la Vía Apia a más de 6000 de los esclavos de Espartaco, suceso que, al parecer, duró varias semanas. Flavio Josefo relata como Tito crucificó a centenares de rebeldes judíos en las paredes y murallas de Jerusalén, ante la falta de madera en el lugar.

La muerte del crucificado solía producirse por asfixia, hambre, insolación, etc. Pero la intención era que el condenado muriera debido a la fiebre y a la sed, por lo que podría tardar de 2 a 6 días en morir por deshidratación, siempre y cuando no le fuera suministrada agua en pequeñas cantidades para alargar el sufrimiento, o con anterioridad sufriera un castigo previo (como la flagelación), que pudiera acelerar el desenlace. Todas las fuentes antiguas hablan de que el suplicio podía durar días, a menos que el condenado fuera rematado de forma más o menos cruenta.

Los romanos despreciaban esta humillante tortura que era destinada únicamente a los peores criminales. Un condenado que pudiese mostrar el “civis romanus sum”, la prueba de ser ciudadano romano, podía optar por el “privilegio” de la decapitación, evitando la agonía de la crucifixión. De no poder demostrar su ciudadanía, al condenado se le ataba y cargaba con el tronco llamado “patibulum”, de aproximadamente 2 metros y 40 kg., hasta el lugar de ejecución. No se cortaban ni images (1)lijaban los maderos, ya que era una herramienta de muerte considerada maldita, siendo, la mayoría de las veces, quemada tras la ejecución debido a la superstición popular.

Una vez en el lugar, el patibulum se fijaba al stipes (parte vertical). El reo era desnudado, clavado y seguidamente izado. Los dos troncos podían adoptar la forma de cruz latina clásica (“crux immissa”). En ocasiones se utilizaba solo una estaca vertical, denominada en latín “crux simplex” o “palus”, resultando la manera más sencilla de tortura, o dos maderos unidos en la parte superior formando una T, era la “crux commissa”.

El cuerpo humano en esta situación sufre de asfixia gradual, ya que para poder inspirar el crucificado debe alzarse a pulso sobre los clavos que sujetan sus brazos, y tras poder coger un poco aire, vuelve a caer suspendido de los brazos, de esta manera, muere asfixiado en poco tiempo. En algún momento de la ejecución, podían romperse las piernas del condenado con el fin de acelerar la asfixia, pues así la víctima quedaba sin sustento para poder levantarse y seguir respirando.

Crucifixin-StykaPara alargar la tortura, normalmente se instalaba un soporte (“aculeus”) en el "stipes" para apoyar los pies o la cadera, la muerte así llega mucho más tarde y, como ya cometamos, podría durar días. Se practicó también la modalidad de crucifixión invertida y , para añadir más sufrimiento, se hacían pequeñas hogueras a los pies.

Curiosamente, no resultaba extraño que se adornasen las cruces y los cuerpos de los condenados con guirnaldas de flores, hiedra u hojas. Es difícil imaginar una explicación para ello. Puede que se tratase de un sacrifico especial dedicado a alguna deidad, a solicitud del condenado o, quizá, para camuflar el hedor que deberían desprender aquellos cuerpos.

En la iglesia de San Vicente de Ávila se reproduce una extraña y desconocida forma de crucifixión. Es un bajorrelieve que representa el martirio de los hermanos Vicente, Sabina y Cristeta, ocurrido bajo el dominio de Diocleciano en el año 304 dC., en el mismo lugar en el que se erige el templo. Es un tipo de crucifixión en cruz aspada (ecúleo) cuyos brazos son móviles. Se clava a los condenados al revés, de cara al madero, se fija la cabeza del ajusticiado a una horca y se empujan hacia arriba las aspas de la cruz. La muerte se produce por la rotura lenta del esqueleto, una tortura horrible.

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Aunque parezca que la crucifixión es asunto del pasado no es así. Hace aproximadamente un siglo, Turquía cometió tremendas atrocidades contra la población cristiana de Armenia, crucificando a un grupo importante de mujeres por no querer abrazar el Islam. Asimismo, hace un par de décadas se conoce la crucifixión de varios sacerdotes cristianos en Sudán, en donde todavía se contempla esta pena en la Sharia islámica; también se impone como castigo en Yemen.

Espartaco de
Como hemos visto, la crucifixión ofrece multitud de variantes de acuerdo con la costumbre o el pueblo que la practique. Influye poderosamente el lugar, los medios de que se dispone y el talante de los verdugos.

Sobre la forma y método empleado en la crucifixión de Cristo, no existe nada claro. Pudo ser crucificado en la tradicional cruz latina, pero también en un simple palo vertical. Podría haber sido atado al madero y clavado por las manos, muñecas o antebrazos. Los Cristo de la Agoníapies clavados o simplemente atados a la cruz; pudieron usarse dos clavos, uno para cada pie, clavados por delante o lateralmente al stipes. Pero también pudo ser solo uno que taladrara los dos pies, uno encima del otro, o ladeados y clavados por el tobillo, como se hizo con el condenado del que se encontraron sus restos cerca de Jerusalén.

Sea como fuere, lo que debió ocurrir realmente en nada debe parecerse a la mayoría de las representaciones de Cristo crucificado, que muestran, dentro de lo que cabe, una imagen bastante templada. El panorama real debió de ser bien distinto: un cuerpo desnudo, completamente lacerado y ensangrentado, no con corona, sino con un casquete de espinos en la cabeza. La cruz estaría formada por dos bastos maderos, posiblemente en forma de "tau" y de baja altura, no más de 2 metros de alto. Los clavos de los brazos situados entre la muñeca y el antebrazo, el cuerpo muy flexionado, casi en cuclillas, y los dos pies ladeados clavados por los tobillos o individualmente a cada lado del madero. Una imagen terrible alejada del convencionalismo al que estamos acostumbrados.



     "Condenado y crucificado" -La Pasión según San Juan-. J. S. Bach.


"Semana Santa". Película de Andrzej Wajda. 
- Iglesia de San Marcelo. León
- Cristo de los Balderas. Gregorio Fernández, Iglesia San Marcelo de León.

- Cristo de los Balderos. Gregorio Fernández, Iglesia San Marcelo de León.
- Montaje-hipótesis crucifixión.- Fotograma de "La Pasión". 
"La Crucifixión". Nikolai Ge.- Fotograma de "La Pasión de Cristo". Mel Gibson. 
"Martirio de cristianos en el circo de Nerón". Jan Styka.

- Martirio de Vicente, Sabina y Cristeta. Bajorrelieve iglesia San Vicente (Ávila). 
- Fotograma final de "Espartacus". Stanley Kubrick.
 
- Cristo de los Balderas. Gregorio Fernández, Iglesia San Marcelo de León.

- Video argot2000. YouTube: "La Pasión según S. Juan (Condenado y crucificado)". J.S. Bach